Согласно расследованию NY Times
Бритни Спирс настаивала на внесении изменений в распорядок ее жизни и роли отца в ее руководстве на протяжении 13 лет опекунства.

---

Сегодня 23 июня Спирс должна обратиться напрямую в суд Лос-Анджелеса. Неясно, будут ли ее высказывания публичными, но ее отношения с отцом, вновь станут центральной темой, после #freebhritney

За годы, прошедшие с тех пор, как судья дал отцу Бритни Спирс широкий контроль над ее жизнью и финансами, обеспокоенные фанаты задавались вопросом, как суд мог продолжать считать ее неспособной защитить себя и заботиться о себе, несмотря на то, что она все еще была выступающей поп-звездой.

Ее отец и другие участники опекунства утверждали, что это была отлаженная машина, которая спасла ее от упадка и принесла пользу мисс Спирс, и что она могла может остановить это когда захочет.

Согласно конфиденциальным судебным протоколом, полученным The New York Times,, 39-летняя Спирс выражала серьезную оппозицию консерваторству отца и неоднократно заявляла, что он слишком ее ограничивал. Ограничения начинались с персон и цвета их кожи до выбора кухонных шкафов.

«Бритни считает, что опека превратилась в инструмент подавления и контроля над ней», – писал следователь в отчете за 2016 год. По его следователя, у системы был «слишком большой контроль».

Мисс Спирс сообщила следователю, что она хочет, чтобы опекунство было прекращено как можно скорее. «Она устала от того, что ею пользуются». По словам поп-дивы работает и зарабатывает свои деньги она, но зарплату получают все вокруг нее.

Несмотря на то, что Бритни заработала миллионы, согласно записям, у нее было ограничение на еженедельное пособие в размере 2000 долларов.

У руля жизни и финансов певицы большую часть был ее отец, Джеймс, известный как Джейми. Он был назначен опекуном в 2008 году, вскоре после того, как Бритни дважды была доставлена ​​в больницу на машине скорой помощи для недобровольного психиатрического обследования на фоне ряда общественных волнений и опасений по поводу ее психического здоровья и злоупотребления психоактивными веществами.

Недавно полученные протоколы судебного заседания показывают, что мисс Спирс сомневалась в пригодности отца для этой роли. Еще в 2014 году на закрытом для публики слушании назначенный судом адвокат г-жи Спирс, Сэмюэл Д. Ингхэм III, сказал, что она хотела бы рассмотреть вопрос о снятии своего отца с должности опекуна, сославшись на его пьянство среди других возражений в «списке покупок».

В прошлом году адвокат заявил судье, что Спирс «боялась своего отца», который остается распорядителем ее состояния, составляющего почти 60 миллионов долларов. А в 2019 году г-жа Спирс заявила суду, что попечительский совет заставил ее остаться в психиатрической больнице и выступить против своей воли.

Представители 68-летнего мистера Спирса от комментариев отказались, сославшись на предстоящее судебное слушание. Но ранее они заявляли, что опекунство необходимо для защиты мисс Спирс от эксплуатации и вреда, и что мистер Спирс был послушным отцом, действующим из любви к своей дочери.

«Каждый раз, когда Бритни хочет прекратить свое опекунство, она может попросить своего адвоката подать прошение о его прекращении; она всегда имела это право, но за 13 лет ни разу не воспользовалась им », — заявила Вивиан Ли Торин, адвокат мистера Спирса, в заявлении для People в начале этого года.

«Бритни знает, что ее папа любит ее, и что он будет рядом с ней, когда и если он ей понадобится, как и всегда, – в опеке или нет».

Согласно судебным протоколам и интервью со многими людьми, знакомыми с семьей, их отношения долгое время были сложными и дисфункциональными. Но эта динамика стала еще более сложной после того, как мистер Спирс – выздоравливающий алкоголик, столкнувшийся с обвинениями в физическом и словесном оскорблении, – возглавил борьбу с «демонами» своей уже давно взрослой дочери.

Также Бритни заявляла следователю, что отец был «одержим» ею и хотел контролировать все. Она даже не могла подружиться без его одобрения. «Любые «ошибки» приводили к очень тяжелым последствиям», – добавила Спирс. «Консерваторство связано с большим страхом».

Мы будем следить за расследованием NY Times.

На полках современных магазинов можно увидеть самые разные виды крепкого виски. Сегодня он считается одним из элитных напитков. К примеру, ирландский виски Jameson часто покупают для встреч с бизнес-партнерами, частных вечеринок и других важных событий. Но, несколько столетий назад этот алкоголь употребляли только бедняки. Производство современного продукта наладилось через десятки лет. Кроме этого, напиток связан с другими интересными фактами. Рассмотрим самые интересные из них.

Спор о происхождении

Между Ирландией и Шотландией до сих пор продолжается спор о том, кто из них является родиной виски. Жители Шотландии заявляют, что крепкий напиток впервые был завезен именно в их страну. Здесь миссионеры распространяли его среди служителей монастырей, которые применяли виски в лечебных целях.

Ирландцы утверждают обратное – алкоголь сначала попал к ним, а рецептура приготовления была создана в Африке. Современные исследователи придерживаются мнения об ирландском происхождении крепкого скотча.

Степень вредности алкоголя

Многие из нас считают, что из алкогольных напитков наиболее безобидным является только вино. Но, специалисты опровергают это утверждение, поскольку качественный виски Jameson в умеренном количестве тоже не наносит серьезного вреда организму. Подтверждением этого факта является разрешение на употребления напитка во времена «Сухого закона».

Оптимальная температура

Оценить многогранный вкус настоящего виски можно только в случае соблюдения правильной температуры во время подачи. Чтобы обеспечить необходимые условия, используют 2 основных метода:

• охлаждение напитка с помощью кубиков льда;
• использование специальных камней.

Оба способа позволяют поддерживать оптимальную температуру – от 18 до 21 градусов. Рекомендуется также исключать долгое держание напитка в руках – в состав виски входят масла и спирт, которые легко испаряются при нагревании ладонями.

Хорошие инвестиции

Для некоторых ценителей алкоголя, виски является не просто напитком, а еще и хорошим вложением денег. Скотч может храниться на протяжении долгого периода. Даже спустя сотни лет, его аромат и вкус станут намного лучше. Соответственно цена существенно повыситься. Главным условием является сохранение соблюдение температурного режима, а также исключать резкие смены условий хранения.

Продажа на бирже

Крепкий виски стал настолько востребованным, что со временем была создана специальная биржа, где ведется торговля напитком (World Whisky Index). Покупая здесь алкоголь, можно получить настоящий сертификат. Он подтверждает право на дальнейшее распоряжение купленной бутылкой. Инвестиции в крепкий напиток наиболее популярны среди русских и японцев.

Самый дорогой виски

Односолодовый виски «The Macallan Fine&Rare Vintage», произведенный в 1926 году, является самым дорогим скотчем в мире. Его цена составляет более 22 тысячи фунтов стерлингов. Такая высокая стоимость обусловлена особенностями производства напитка. Его разлили всего лишь в 60 бутылок. Довольно интересным фактом является то, что настолько дорогие напитки покупатели не выпивают, а только коллекционируют.

Кроме этого, виски является настоящим украшением барной стойки, а также прекрасно сочетается с разными закусками. Но, выбирая такой напиток, не забывайте о подлинности. Чтобы купить настоящий виски, выбирайте только проверенные магазины, которые продают качественные оригинальные напитки. Только так вы сможете насладиться богатым вкусом хорошего скотча, не боясь за свое здоровье.

Эко бренд одежды Pangaia, созданный Мирославой Думой в 2018 году, переходит в новую категорию и запускает свою первую коллекцию одежды для активного отдыха.

---

Коллекция Pangaia Gym, вдохновленная рекламными роликами 1980-х годов,  состоит из девяти предметов, среди которых спортивные бюстгалтеры, велосипедки, леггинсы, комбинезоны, свитшоты и футболки. Экологичная одежда для тренировок будет доступна в шести цветовых решениях (розовый, фиолетовый, черный, зеленый, каменный и темно-синий) по цене от 50 до 140 долларов – сообщает The Observer. 

• 

• 

По словам представителей бренда, каждая вещь производится в основном из возобновляемых ресурсов, а конечные продукты на 90% сделаны на биологической основе. В состав вещей входят волокна из смеси эвкалипта и морских водорослей; нейлон на биологической основе, эластичное волокно из касторового масла, не содержащее ископаемого топлива; эластичная пряжа, разрушающаяся под действием микроорганизмов в течение пяти лет.

Для водоотталкивающего эффекта Pangaia Gym используют средство для отвода капель на биологической основе из микроводорослей, а также биоразлагаемое средство для борьбы с микробами и запахом – делится информацией с Vogue.com доктор Аманда Дж. Паркс, директор по инновациям Pangaia. 

К слову, разработчики переживают, что продукт не получился на 100% натуральным. Доктор Паркс говорит, что нейлон на биологической основе Pangaia Gym по-прежнему не является идеальным решением, однако обещает, что команда бренда обязательно предоставит таковое в следующем году, когда Pangaia и ее партнер Kintra презентуют 100% биоразлагаемый полиэстер на основе кукурузы и пшеницы. 

Вещи Pangaia пользуются огромной популярностью. Многие клиенты бренда стараются следовать и продвигать здоровый образ жизни, заботу об окружающей среде, выступают за ответственное производство и потребление. Среди поклонников Pangaia – знаменитости Кортни Кардашьян, Дженнифер Лопес, Джастин Бибер, Минди Калинг и многие другие.

Марку назвали в честь древнего сверх континента Пангеи, который объединял всю сушу. Pangaia с первых дней удивляет своими инновационными разработками. Водоросли вместо хлопка, цветочный наполнитель вместо гусиного пуха, биоразлагаемая за 24 недели упаковка TIPA. Pangaia производит базовые унисекс вещи, приятных глазу цветов (все красители сделаны из растений, овощей и фруктов) – свитшоты, куртки, спортивные штаны, футболки, майки и шорты. 

Коллекция Pangaia Gym появится в продаже на сайте бренда 29 июня. 

О новом растительном заменителе кожи, который создали Gucci – читайте в нашем материале. 

Слово «Барокко» предположительно происходит от итальянского названия «жемчужина неправильной формы». Изначально этот термин был издевкой, так как Барокко отличался драматичностью и эпичностью.

В предыдущей статье мы с вами ознакомились с Ренессансом и узнали о Маньеристах, которых часто называли мостом между идеализированным Ренессансом и пышным Барокко. В этой статье речь пойдет о втором. 

---

Чем же характеризуется Барокко и почему же так важен религиозный контекст?

Как я уже упоминала в предыдущей статье, в искусстве очень важен исторический контекст. На примере Барокко это наиболее заметно. 

На искусство эпохи Барокко очень повлиял раскол церкви. В связи с этим, искусство 17 столетия можно разделить на 2 части: Протестантское и Католическое. Давайте разберемся чем же они отличались друг от друга.

С распространением протестантизма католическая церковь все больше и больше подвергалась гонению за их расточительность и двуличность. В 1563 году, на последнем Тридентском соборе были выведены правила и указания, как должны выглядеть Католические религиозные изображения. Во многом искусство должно было стать намного реалистичней и драматичней, чтобы поражать людей и вызывать у них набожность.

Религиозное искусство должно было заманить на свою сторону протестантов и предотвратить смену религии уже существующих католиков. Протестанты же считали что не обязательно молится святым и иконам для того чтобы быть услышанным Богом. В Протестантских церквях редко когда можно увидеть картины и предметы искусства, соответственно спрос на религиозные сюжеты был достаточно низок.

В то время как католикам нужно было привлечь людей религиозным искусством, так сказать заманить их на свою сторону, в Протестантских странах стали развиваться новые жанры живописи. 

«Много дорого богато» VS«Минимализм» 

Разница между Католическим и Протестантским Барокко конечно очень хорошо заметна в архитектурных элементах. Для примера рассмотрим две церкви: «Сант-Андреа-аль-Квиринале» в Риме и «Церковь Святого Стефана в Уолбруке» в Лондоне. 

В первом примере мы видим невероятное количество красок, мрамор всех цветов радуги, и конечно же очень много золота. У алтаря можно увидеть картину, интересно то, что над картиной находилось секретное круглое окно, которое нельзя было увидеть стоя и молясь перед алтарем. Днем, через это окно проходил солнечный свет, который падал на картину и создавал ощущение божественного света. Все это было подкреплено лучами света, сделанными из золота и золотых ангелов, которые обрамляли картину и сияли под тем самым дневным светом. 

Во втором примере можно увидеть что  церковь находящаяся в Лондоне выглядит  намного менее красочней, весь интерьер выполнен в белых и чистых цветах, огромное количество пространства, и потрясающая акустика ( ведь в протестантских церквях большое значение придавалось проповедям, нежели картинам и визуальным манипуляциям). По сравнению с церковью в Риме, Лондонская, конечно, кажется невероятно минималистичной и даже простой. Такую разницу можно увидеть практически во всей архитектуре 17 столетия. 

Барокко многограннее, чем кажется 

Обычно барокко ассоциируется с роскошью, что во многом правда. Оно было достаточно вычурным, особенно это выделяется в архитектурных работах. Но было и северное барокко и такие художники как Караваджо, о котором мы поговорим чуть позже.

Давайте же на примерах разберемся в разных стилистических приемах и особенностях Барокко.  

Первый пример, как раз таки вычурного искусства, будет картина, выполненная Рубенсом по заказу Марии Медичи (королева Франции, вторая жена Генриха IV Бурбона). 

Картина показывает зрителю приезд Марии во Францию, но не так буквально, как вы думаете. Смотря на нее очень, сложно понять, что это исторический момент. Но зная, что это картина эпохи Барокко становится ясно почему этот период так часто характеризуют, как вычурный.

Рубенс использует почти все приемы, о которых можно подумать, чтобы подчеркнуть славу и величие Марии. Эта картина – какофония цвета и движения. Красный и золотой – доминирующие цвета на полотне, каждая фигура движется, а трубы добавляют элемент церемониального звука. 

Многочисленное количество фигур на полотне – от хорошо одетых дворян до мифических морских существ. Все они жестикулируют и корчатся в направлении Марии. Когда она выходит из своего позолоченного корабля в окружении свиты, ее буквально приветствуют с распростертыми объятиями.

Элегантно одетая в белое платье, украшенное золотом, она –воплощение царственности. Среди нечеловеческих свидетелей этого события – крылатый ангел, который трубит о приезде Марии, три морские нимфы, Посейдон (Бог моря) и его сын Тритон, которые предположительно охраняли путешествие Марии в ее новое царство.

Франция должна была ликовать ведь даже античные боги и ангелы сопутствовали будущей королеве во время ее путешествия, и явно находятся на ее стороне. Эго Марии явно было не заменять, но именно благодаря таким патронам Барокко и считается стилем великолепия. 

Вершина – Ян Вермеер 

На контрасте, теперь давайте ознакомимся с еще одним представителем эпохи Барокко, Яном Вермеером. Его творчество наравне с Рембрандтом можно считать вершиной голландского искусства эпохи Барокко. По сравнению с Рубенсом его работы можно назвать аскетичными и аккуратными.

Вместо того что бы разбирать одну конкретную работу этого художника, мы поговорим о контексте, который влиял на все Голландское искусство семнадцатого столетия. Помимо раскола церкви, в семнадцатом столетии новыми покровителями становятся купцы и торговцы, которым вряд ли хочется увековечить себя в той же манере что и сделала Мария Медичи, да и места для таких картин у них не было. Поэтому популярными становятся жанровые картины (картины о быте обычных людей) и натюрморт. 

Даже Рембрандт, у которого много известных работ с религиозным сюжетом, писал огромное количество пейзажей. Но также он рисовал портреты и картины для гильдий, одной из самых известных является «Ночной Дозор».

Рембрандт отличается своим мастерством игры светотени, но его работы вряд ли можно назвать пышными или полными величества и богатства. Наоборот он отличается исключительным реализмом, в связи с этим многие критики того времени говорили, что он предпочитает уродство красоте.

Современному человеку будет сложно увидеть уродство в его работах, но по сравнению со многими идеализированными и преувеличенными работами того времени он действительно выделяется. 

Мастер кьяроскуро или художник, который известен своим искусством так, как и своим плохим поведением

Посмотрев несколько примеров искусства эпохи Барокко, я хочу отдельно поговорить о Караваджо. Караваджо наверно сейчас один из самых известных художников эпохи Барокко. И если, честно сказать, один из моих личных фаворитов. Выше я упомянула что Рембрандт считается мастером светотени, но в моих глазах это Караваджо. 

Перед тем, как мы перейдем к обсуждению, жизни и творчества этого художника хочу дать моим читателям небольшую подсказку. Если гуляя по галерее вы захотите показать себя, есть два термина которыми искусствоведы просто обожают пользоваться: кьяроскуро, и тенебризм.

Кьяроскуро – это прием в искусстве, который описывает достаточно сильный контраст между светом и тенью.

Тенебризм, тоже можно использовать для описания очень темных и драматичный картин. В тенебризме некоторые участки картин могут оставаться абсолютно черными, этакий драматический свет, при тенебризме в картине присутствует один источник света, который и создает тот самый драматизм.  

Караваджо, как самый яркий представитель Барокко

Почему мы вспоминаем об этих терминах говоря о Караваджо? Все очень просто, он несравненный мастер этих техник и во многом считается их создателем. Был даже миф, что Караваджо первый создал картину с одним источником света, который исходил от свечи. Это не правда, но смотря на его картины легко понять откуда пошел этот миф. Развитие творчества и карьеры Караваджо можно легко продемонстрировать всего в нескольких картинах. Надеюсь, после этой статьи все станут немножечко экспертами в Караваджо и полюбят его так же сильно, как и я. 

Начало: Много фруктов и полуобнаженные и томные мальчики

Начинал Караваджо, как художник, задолго до этих картин, но его творчество становится нам известно именно с периода, когда он решает уйти из мастерской, как ученик и стать независимым художником. 

Средств как у любого начинающего художника у него было немного, поэтому большинство его работ – это портреты молодых мальчиков/мужчин с натюрмортом на первом плане. Рисовал он то, что было знакомо, и что было у него в доступности. Ярким примером является картина: «Мальчик с корзиной фруктов».

На картине изображен молодой человек, его рубашка спущена с плеч, он прижимает к себе корзинку фруктов и томно смотрит на зрителя. Многие картины этого периода называют гомоэротическими, возможно так Караваджо хотел привлечь к себе внимание. Но кроме очевидного эротизма, во всех его работах присутствуют или фрукты или какой-нибудь натюрморт. В искусстве, фрукты чаще всего ассоциируются с молодостью, силой и плодородием, тема, которая хорошо пересекается с молодыми юношами, которых он так часто изображал.

В связи с этим есть много теорий о том, что эти картины о любви, соблазне и провокации. При этом, другие эксперты, к примеру Летиция Тревес (куратор Итальянских и Испанских картин в Национальной Галерее Лондона), считает, что тайного подтекста в картинах нет. В конце концов этими картинами Караваджо пытался показать свое мастерство и привлечь влиятельных патронов.   

Слава и популярность

В конечном итоге благодаря своим ранним работам Караваджо нашел себе патрона в лице Кардинала Франческо Дель Монте, который в последствии помог ему получить один из самых важных заказов: серию картин о Матфее, для церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези. После этого к Караваджо пришла слава, ведь многие художники путешествовали в Рим для того, чтобы ознакомится с античным искусством и посмотреть на современных художников. В отличии от многих предыдущих его картин, которые были частными заказами в дома ( где их могла увидеть только определённая публика), эта серия картин была доступна массам и произвела фурор. На тот момент сам Караваджо достиг нового уровня в своем искусстве, и думаю, он понимал, что нес за собой такой заказ.

«Призвание Апостола Матфея»

Одной из моих любимых картин из этой серии является «Призвание Апостола Матфея». Важно принять во внимание каноны и наставления, которые утвердила католическая церковь в то время: реализм и драматизм, который должен был поражать людей и вызывать набожность. Картина Матфея изображает момент, когда Иисус Христос вдохновляет Матфея последовать за ним и стать апостолом.

В соответствии со своей неприкрашенной эстетикой Караваджо разворачивает сцену в том, что кажется обычной современной таверной. За столом сидят ростовщики, и сам Матфей. Не смотря на то, что Матфей сидит в стороне его лицо освещено светом исходящим из правого верхнего угла картины, когда он видит, как Христос указывает на него, он отвечает жестом, как бы говоря: «Я?». Не понимая, указывают ли на него или на мужчину, сидящего рядом. Кроме того, луч света, освещающий их лица, привлекает внимание к двум молодым людям, которые кажутся довольно потерянными в этой группе пожилых людей.

В то время как один из них отступает в опасении и смотрит на своего старшего соседа за защитой, другой повернулся, чтобы противостоять Христу, в результате чего Святой Петр (стоит рядом с Христом) жестом просит его успокоиться. Через визуальный контраст между их реакциями Караваджо демонстрирует психологическое понимание двух возможных моделей поведения человека в одной и той же ситуации.

Эта картина должна была производить неизлагаемое впечатление на зрителя. В отличии от предыдущих эпох, Караваджо одевает библейских героев в современные вещи. Люди, даже сам Иисус, выглядят как обычные жители Рима того времени, это давало возможность людям идентифицировать себя в лицах этих святых. Самый интересный прием, который делал эту картину особенно реальной, это то, что она висела так, что свет, исходящий из окна в таверне, совпадал с реальным светом исходящим из окна церкви, это создавало ощущение того, что реальный мир и картина как бы сливались воедино. 

Скверный характер, убийство и тоска по Риму

После заказа для церкви к Караваджо приходит мировая слава. И все бы было хорошо, но его дебоширство и скверный характер приводят к тому, что он смертельно ранит в стычке Рануччо Томассони. И его обвиняют в убийстве.

Караваджо вынужден бежать из Рима и отправиться на Мальту. Жизнь его явно не научила, и спустя несколько лет на Мальте его арестовывают и садят в тюрьму (из которой он впоследствии сбегает).  До ареста, он пишет картину «Соломея с головой Иоанна Крестителя». Это произведение хорошо показывает его более поздний период, отражает  его переживания, и его желание вернутся обратно в Рим. В этой работе его палитра становится более приглушенной, его мазки становятся более мягкими и не такими точными как в начале его карьеры. Фокус смещается в сторону эмоций и жестов, нежели места, в котором происходит действие. 

Эта сцена взята из новозаветного рассказа, в котором Саломея своим танцем завоевывает расположение Ирода, царя Иудейского. В знак своего восхищения царь удовлетворяет одну просьбу Саломеи – мать Саломеи убеждают её попросить голову Иоанна Крестителя. На картине мы видим тот самый момент, когда Саломее приносят ее «трофей», она отворачивается в отвращении. У нее достаточно интересные эмоции, на первый взгляд она безразлична, но если присмотреться, то в ее глазах можно заметить сожаление. Также, интересно то, что на картине не известно где происходит событие, фон настолько темный что сама сцена кажется театральной.

Эта работа датируется более поздними годами Караваджо и фокусируется на реалистичном изображении психологического воздействия события. Возможно, это связано с эмоциями самого Караваджо, которые он выплескивает в своей работе, возможно он тоже жалеет о том, что случилось в Риме. Догадок существует много, но точно можно сказать, что поздние работы Караваджо, написаны почти на современный манер, они очень схожи с работами Реалистов, которые творили во второй половине 18 столетия. 

Сейчас Караваджо один из самых известных художников 17 столетия. Но на самом деле он был забыт после своей смерти и вновь найден уже в 20 столетии!

Караваджо и Off-White

К несчастью для него, и с большой удачей для искусствоведов, есть много записей о жизни этого художника, благодаря многочисленным судебным разбирательствам в которых он был вовлечен.  Даже сейчас, его работами восхищаются не только искусствоведы, но и дизайнеры. К примеру, бренд Off-White использует работы Караваджо на своих майках и толстовках. 

• 

• 

Барокко подарил миру одних из самых известных художников. Мало кто, не знает таких известный имен как Рубенс, Рембрандт, Караваджо и Вермеер. Но я уверена что не смотря на то, что эти имена на слуху, немногие по-настоящему знакомы с их произведениями.

Барокко не только про пышность и золото, оно и про реализм, и драматизм, начинает развиваться жанровая и пейзажная живописи, 17 столетие по-настоящему становится прорывом в искусстве.