[ad_1]
Слово «Барокко» предположительно происходит от итальянского названия «жемчужина неправильной формы». Изначально этот термин был издевкой, так как Барокко отличался драматичностью и эпичностью.
В предыдущей статье мы с вами ознакомились с Ренессансом и узнали о Маньеристах, которых часто называли мостом между идеализированным Ренессансом и пышным Барокко. В этой статье речь пойдет о втором.
Чем же характеризуется Барокко и почему же так важен религиозный контекст?
Как я уже упоминала в предыдущей статье, в искусстве очень важен исторический контекст. На примере Барокко это наиболее заметно.
На искусство эпохи Барокко очень повлиял раскол церкви. В связи с этим, искусство 17 столетия можно разделить на 2 части: Протестантское и Католическое. Давайте разберемся чем же они отличались друг от друга.
С распространением протестантизма католическая церковь все больше и больше подвергалась гонению за их расточительность и двуличность. В 1563 году, на последнем Тридентском соборе были выведены правила и указания, как должны выглядеть Католические религиозные изображения. Во многом искусство должно было стать намного реалистичней и драматичней, чтобы поражать людей и вызывать у них набожность.
Религиозное искусство должно было заманить на свою сторону протестантов и предотвратить смену религии уже существующих католиков. Протестанты же считали что не обязательно молится святым и иконам для того чтобы быть услышанным Богом. В Протестантских церквях редко когда можно увидеть картины и предметы искусства, соответственно спрос на религиозные сюжеты был достаточно низок.
В то время как католикам нужно было привлечь людей религиозным искусством, так сказать заманить их на свою сторону, в Протестантских странах стали развиваться новые жанры живописи.
«Много дорого богато» VS«Минимализм»
Разница между Католическим и Протестантским Барокко конечно очень хорошо заметна в архитектурных элементах. Для примера рассмотрим две церкви: «Сант-Андреа-аль-Квиринале» в Риме и «Церковь Святого Стефана в Уолбруке» в Лондоне.
В первом примере мы видим невероятное количество красок, мрамор всех цветов радуги, и конечно же очень много золота. У алтаря можно увидеть картину, интересно то, что над картиной находилось секретное круглое окно, которое нельзя было увидеть стоя и молясь перед алтарем. Днем, через это окно проходил солнечный свет, который падал на картину и создавал ощущение божественного света. Все это было подкреплено лучами света, сделанными из золота и золотых ангелов, которые обрамляли картину и сияли под тем самым дневным светом.
Во втором примере можно увидеть что церковь находящаяся в Лондоне выглядит намного менее красочней, весь интерьер выполнен в белых и чистых цветах, огромное количество пространства, и потрясающая акустика ( ведь в протестантских церквях большое значение придавалось проповедям, нежели картинам и визуальным манипуляциям). По сравнению с церковью в Риме, Лондонская, конечно, кажется невероятно минималистичной и даже простой. Такую разницу можно увидеть практически во всей архитектуре 17 столетия.
Барокко многограннее, чем кажется
Обычно барокко ассоциируется с роскошью, что во многом правда. Оно было достаточно вычурным, особенно это выделяется в архитектурных работах. Но было и северное барокко и такие художники как Караваджо, о котором мы поговорим чуть позже.
Давайте же на примерах разберемся в разных стилистических приемах и особенностях Барокко.
Первый пример, как раз таки вычурного искусства, будет картина, выполненная Рубенсом по заказу Марии Медичи (королева Франции, вторая жена Генриха IV Бурбона).
Картина показывает зрителю приезд Марии во Францию, но не так буквально, как вы думаете. Смотря на нее очень, сложно понять, что это исторический момент. Но зная, что это картина эпохи Барокко становится ясно почему этот период так часто характеризуют, как вычурный.
Рубенс использует почти все приемы, о которых можно подумать, чтобы подчеркнуть славу и величие Марии. Эта картина – какофония цвета и движения. Красный и золотой – доминирующие цвета на полотне, каждая фигура движется, а трубы добавляют элемент церемониального звука.
Многочисленное количество фигур на полотне – от хорошо одетых дворян до мифических морских существ. Все они жестикулируют и корчатся в направлении Марии. Когда она выходит из своего позолоченного корабля в окружении свиты, ее буквально приветствуют с распростертыми объятиями.
Элегантно одетая в белое платье, украшенное золотом, она –воплощение царственности. Среди нечеловеческих свидетелей этого события – крылатый ангел, который трубит о приезде Марии, три морские нимфы, Посейдон (Бог моря) и его сын Тритон, которые предположительно охраняли путешествие Марии в ее новое царство.
Франция должна была ликовать ведь даже античные боги и ангелы сопутствовали будущей королеве во время ее путешествия, и явно находятся на ее стороне. Эго Марии явно было не заменять, но именно благодаря таким патронам Барокко и считается стилем великолепия.
Вершина – Ян Вермеер
На контрасте, теперь давайте ознакомимся с еще одним представителем эпохи Барокко, Яном Вермеером. Его творчество наравне с Рембрандтом можно считать вершиной голландского искусства эпохи Барокко. По сравнению с Рубенсом его работы можно назвать аскетичными и аккуратными.
Вместо того что бы разбирать одну конкретную работу этого художника, мы поговорим о контексте, который влиял на все Голландское искусство семнадцатого столетия. Помимо раскола церкви, в семнадцатом столетии новыми покровителями становятся купцы и торговцы, которым вряд ли хочется увековечить себя в той же манере что и сделала Мария Медичи, да и места для таких картин у них не было. Поэтому популярными становятся жанровые картины (картины о быте обычных людей) и натюрморт.
Даже Рембрандт, у которого много известных работ с религиозным сюжетом, писал огромное количество пейзажей. Но также он рисовал портреты и картины для гильдий, одной из самых известных является «Ночной Дозор».
Рембрандт отличается своим мастерством игры светотени, но его работы вряд ли можно назвать пышными или полными величества и богатства. Наоборот он отличается исключительным реализмом, в связи с этим многие критики того времени говорили, что он предпочитает уродство красоте.
Современному человеку будет сложно увидеть уродство в его работах, но по сравнению со многими идеализированными и преувеличенными работами того времени он действительно выделяется.
Мастер кьяроскуро или художник, который известен своим искусством так, как и своим плохим поведением
Посмотрев несколько примеров искусства эпохи Барокко, я хочу отдельно поговорить о Караваджо. Караваджо наверно сейчас один из самых известных художников эпохи Барокко. И если, честно сказать, один из моих личных фаворитов. Выше я упомянула что Рембрандт считается мастером светотени, но в моих глазах это Караваджо.
Перед тем, как мы перейдем к обсуждению, жизни и творчества этого художника хочу дать моим читателям небольшую подсказку. Если гуляя по галерее вы захотите показать себя, есть два термина которыми искусствоведы просто обожают пользоваться: кьяроскуро, и тенебризм.
Кьяроскуро – это прием в искусстве, который описывает достаточно сильный контраст между светом и тенью.
Тенебризм, тоже можно использовать для описания очень темных и драматичный картин. В тенебризме некоторые участки картин могут оставаться абсолютно черными, этакий драматический свет, при тенебризме в картине присутствует один источник света, который и создает тот самый драматизм.
Караваджо, как самый яркий представитель Барокко
Почему мы вспоминаем об этих терминах говоря о Караваджо? Все очень просто, он несравненный мастер этих техник и во многом считается их создателем. Был даже миф, что Караваджо первый создал картину с одним источником света, который исходил от свечи. Это не правда, но смотря на его картины легко понять откуда пошел этот миф. Развитие творчества и карьеры Караваджо можно легко продемонстрировать всего в нескольких картинах. Надеюсь, после этой статьи все станут немножечко экспертами в Караваджо и полюбят его так же сильно, как и я.
Начало: Много фруктов и полуобнаженные и томные мальчики
Начинал Караваджо, как художник, задолго до этих картин, но его творчество становится нам известно именно с периода, когда он решает уйти из мастерской, как ученик и стать независимым художником.
Средств как у любого начинающего художника у него было немного, поэтому большинство его работ – это портреты молодых мальчиков/мужчин с натюрмортом на первом плане. Рисовал он то, что было знакомо, и что было у него в доступности. Ярким примером является картина: «Мальчик с корзиной фруктов».
На картине изображен молодой человек, его рубашка спущена с плеч, он прижимает к себе корзинку фруктов и томно смотрит на зрителя. Многие картины этого периода называют гомоэротическими, возможно так Караваджо хотел привлечь к себе внимание. Но кроме очевидного эротизма, во всех его работах присутствуют или фрукты или какой-нибудь натюрморт. В искусстве, фрукты чаще всего ассоциируются с молодостью, силой и плодородием, тема, которая хорошо пересекается с молодыми юношами, которых он так часто изображал.
В связи с этим есть много теорий о том, что эти картины о любви, соблазне и провокации. При этом, другие эксперты, к примеру Летиция Тревес (куратор Итальянских и Испанских картин в Национальной Галерее Лондона), считает, что тайного подтекста в картинах нет. В конце концов этими картинами Караваджо пытался показать свое мастерство и привлечь влиятельных патронов.
Слава и популярность
В конечном итоге благодаря своим ранним работам Караваджо нашел себе патрона в лице Кардинала Франческо Дель Монте, который в последствии помог ему получить один из самых важных заказов: серию картин о Матфее, для церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези. После этого к Караваджо пришла слава, ведь многие художники путешествовали в Рим для того, чтобы ознакомится с античным искусством и посмотреть на современных художников. В отличии от многих предыдущих его картин, которые были частными заказами в дома ( где их могла увидеть только определённая публика), эта серия картин была доступна массам и произвела фурор. На тот момент сам Караваджо достиг нового уровня в своем искусстве, и думаю, он понимал, что нес за собой такой заказ.
«Призвание Апостола Матфея»
Одной из моих любимых картин из этой серии является «Призвание Апостола Матфея». Важно принять во внимание каноны и наставления, которые утвердила католическая церковь в то время: реализм и драматизм, который должен был поражать людей и вызывать набожность. Картина Матфея изображает момент, когда Иисус Христос вдохновляет Матфея последовать за ним и стать апостолом.
В соответствии со своей неприкрашенной эстетикой Караваджо разворачивает сцену в том, что кажется обычной современной таверной. За столом сидят ростовщики, и сам Матфей. Не смотря на то, что Матфей сидит в стороне его лицо освещено светом исходящим из правого верхнего угла картины, когда он видит, как Христос указывает на него, он отвечает жестом, как бы говоря: «Я?». Не понимая, указывают ли на него или на мужчину, сидящего рядом. Кроме того, луч света, освещающий их лица, привлекает внимание к двум молодым людям, которые кажутся довольно потерянными в этой группе пожилых людей.
В то время как один из них отступает в опасении и смотрит на своего старшего соседа за защитой, другой повернулся, чтобы противостоять Христу, в результате чего Святой Петр (стоит рядом с Христом) жестом просит его успокоиться. Через визуальный контраст между их реакциями Караваджо демонстрирует психологическое понимание двух возможных моделей поведения человека в одной и той же ситуации.
Эта картина должна была производить неизлагаемое впечатление на зрителя. В отличии от предыдущих эпох, Караваджо одевает библейских героев в современные вещи. Люди, даже сам Иисус, выглядят как обычные жители Рима того времени, это давало возможность людям идентифицировать себя в лицах этих святых. Самый интересный прием, который делал эту картину особенно реальной, это то, что она висела так, что свет, исходящий из окна в таверне, совпадал с реальным светом исходящим из окна церкви, это создавало ощущение того, что реальный мир и картина как бы сливались воедино.
Скверный характер, убийство и тоска по Риму
После заказа для церкви к Караваджо приходит мировая слава. И все бы было хорошо, но его дебоширство и скверный характер приводят к тому, что он смертельно ранит в стычке Рануччо Томассони. И его обвиняют в убийстве.
Караваджо вынужден бежать из Рима и отправиться на Мальту. Жизнь его явно не научила, и спустя несколько лет на Мальте его арестовывают и садят в тюрьму (из которой он впоследствии сбегает). До ареста, он пишет картину «Соломея с головой Иоанна Крестителя». Это произведение хорошо показывает его более поздний период, отражает его переживания, и его желание вернутся обратно в Рим. В этой работе его палитра становится более приглушенной, его мазки становятся более мягкими и не такими точными как в начале его карьеры. Фокус смещается в сторону эмоций и жестов, нежели места, в котором происходит действие.
Эта сцена взята из новозаветного рассказа, в котором Саломея своим танцем завоевывает расположение Ирода, царя Иудейского. В знак своего восхищения царь удовлетворяет одну просьбу Саломеи – мать Саломеи убеждают её попросить голову Иоанна Крестителя. На картине мы видим тот самый момент, когда Саломее приносят ее «трофей», она отворачивается в отвращении. У нее достаточно интересные эмоции, на первый взгляд она безразлична, но если присмотреться, то в ее глазах можно заметить сожаление. Также, интересно то, что на картине не известно где происходит событие, фон настолько темный что сама сцена кажется театральной.
Эта работа датируется более поздними годами Караваджо и фокусируется на реалистичном изображении психологического воздействия события. Возможно, это связано с эмоциями самого Караваджо, которые он выплескивает в своей работе, возможно он тоже жалеет о том, что случилось в Риме. Догадок существует много, но точно можно сказать, что поздние работы Караваджо, написаны почти на современный манер, они очень схожи с работами Реалистов, которые творили во второй половине 18 столетия.
Сейчас Караваджо один из самых известных художников 17 столетия. Но на самом деле он был забыт после своей смерти и вновь найден уже в 20 столетии!
Караваджо и Off-White
К несчастью для него, и с большой удачей для искусствоведов, есть много записей о жизни этого художника, благодаря многочисленным судебным разбирательствам в которых он был вовлечен. Даже сейчас, его работами восхищаются не только искусствоведы, но и дизайнеры. К примеру, бренд Off-White использует работы Караваджо на своих майках и толстовках.
Барокко подарил миру одних из самых известных художников. Мало кто, не знает таких известный имен как Рубенс, Рембрандт, Караваджо и Вермеер. Но я уверена что не смотря на то, что эти имена на слуху, немногие по-настоящему знакомы с их произведениями.
Барокко не только про пышность и золото, оно и про реализм, и драматизм, начинает развиваться жанровая и пейзажная живописи, 17 столетие по-настоящему становится прорывом в искусстве.
[ad_2]
Додати коментар